Pedagogía musical

A partir de las próximas actualizaciones empezaremos a ver como enfocar en el aula los diferentes contenidos de música y vanguardia en el aula. Veremos diferentes corrientes pedagógicas de la pedagogía musical para terminar con mi propuesta para la enseñanza de estos conocimientos.

En el día de hoy hablaremos de la pedagogía musical a gran escala.

¿Qué es pedagogía? La pedagogía es el conjunto de saberes sobre la educación, en tanto fenómeno específicamente humano y típicamente social. Se trata de una ciencia aplicada de carácter psicosocial, cuyo objeto de estudio es la educación.

Por tanto, la pedagogía musical es la relación entre la música y el ser humano. En las civilizaciones más antiguas (India, China, Egipto y en tantas otras no documentadas), la música estaba ligada a funciones de gran importancia en las ceremonias; su enseñanza estaba controlada por las más altas autoridades civiles o religiosas. Las perspectivas de la educación, de la formación, de la enseñanza y del aprendizaje forman parte de la pedagogía musical. En la pedagogía musical debe distinguirse la enseñanza teórica de la enseñanza práctica.

La pedagogía musical reviste tres grandes competencias:

1. La percepción o apreciación musical que aborda el acceso al conocimiento a través de un proceso de aprendizaje "de afuera hacia adentro" con los objetos sonoros que el humano puede oir, escuchar, mémorizar, verbalizar, analizar,... desde un rol de receptor de secuencias sonoras (ruidos, paisajes sonoros, informaciones,...) o de secuencias musicales (combinaciones sonoras vocales o instrumentales).

2. La interpretación o ejecución musical que permite el acceso al conocimiento musical a través de la memoria, de la imitación, de la mímesis, de la música instrumentada o cantada de oído, o repetida a través de la lectura a primera vista (primer encuentro con la partitura) o de la lectura ensayada (después de varios ensayos) desde un rol de receptor y emisor al mismo tiempo.

3. La creatividad musical que desarrolla el acceso al conocimiento musical a través de un proceso de aprendizaje " de adentro hacia afuera" con improvisaciones vocales o instrumentales (creación en tiempo real) o con composiciones (creación en tiempo virtual) desde un rol de emisor.

Metodológicamente, la investigación de la pedagogía musical se divide en tres áreas:

1. La investigación histórica analiza el desarrollo de la educación musical en distintas etapas de la historia. Algunas de las áreas que abarca son la historia de las ideas, de las instituciones, de la investigación, de la ciencia y de los conceptos.

2. La investigación sistemática estudia los objetivos de la pedagogía musical, de sus valores y normas, de sus condicionamientos sociales y de su sentido, apoyándose en la teología, la filosofía y la pedagogía.

3. El enfoque empírico-analítico intenta describir, aclarar y mejorar los procesos del aprendizaje musical.

Existen infinidad de estudios, como las recientes investigaciones sobre los efectos de transferencia de la pedagogía musical. Este último enfoque no trata el ámbito musical en sí, sino los efectos que produce en la personalidad y en la identidad de las personas. Los estudios a largo plazo intentan demostrar que la práctica y la educación musical fomentan las habilidades cognitivas, creativas, estéticas, sociales, emocionales y psicomotrices. En especial, se ha discutido mucho sobre el desarrollo de la inteligencia a través del llamado efecto Mozart. La existencia de este efecto es cada vez más cuestionada entre los especialistas.

Según los nuevos estudios interdisciplinares de los ámbitos de la investigación cerebral, la psicología y la pedagogía, se puede suponer, por ejemplo, que el contacto con la música es más efectivo, eficaz y tiene más sentido si tiene lugar en las etapas más tempranas de la vida y en todos los niveles de su aprendizaje.

La hermenéutica intenta comprender la realidad actual de la práctica de la pedagogía musical e interpretarla desde el marco de su desarrollo histórico.

No obstante, la base de esta investigación es el contacto artístico-práctico, teórico-analítico e histórico con la música. Sin aptitudes ni conocimientos musicales, a la investigación le faltaría la base.

El punto de partida de un estudio podría ser la pregunta ¿qué es la música? Otras preguntas clave son: ¿cómo funciona?, ¿qué significa?, ¿qué función tiene? Sin su respuesta, no se puede decir cuál es la mejor forma de transmitir o impartir la música.

Junto a la formación de las habilidades musicales prácticas, como cantar o tocar un instrumento, ha adquirido importancia en la pedagogía musical el concepto de “formación estética”. En este contexto se considera la música como una comprensión del mundo, como cultura, como lenguaje y como sentido de la vida. La formación musical solo es posible –según la opinión de los pedagogos musicales− cuando se vive una experiencia musical. Saber de música implica practicarla, sentirla (escucharla) y reflexionar sobre ella: hay que entenderla.

Existen dos campos en la pedagogía musical:

Pedagogía instrumental: Se ocupa de la enseñanza instrumental en los centros de enseñanza básica, escuelas de música y centros privados. Puede ser en grupo o en clases individuales, tanto para adultos como para niños. Otros aspectos pertenecientes al campo de la psicología pedagógica son el miedo escénico, la motivación, la relación profesor/alumno o las prácticas en conjunto. La investigación se ocupa además del desarrollo de las características específicas de cada instrumento, como por ejemplo, de la didáctica del piano, del violín, etc.

Pedagogía vocal: Engloba la enseñanza del canto, el canto en coro y, en general, todo lo relacionado con esta área tanto dirigido a niños como a adultos. Este campo engloba a su vez, entre otros, la fisiología vocal (que se ocupa de la constitución de la voz), la metodología de dirección de coro y la formación vocal (en grupos o por separado).

En la pedagogía musical existen además enfoques terapéuticos, que se agrupan en un campo denominado terapia musical. La música se aplica tanto de forma pasiva como activa para lograr efectos terapéuticos, y es así porque la música puede estimular las emociones, regular las tensiones así como potenciar la interacción social y la capacidad de sentir.

La música es un buen medio para potenciar las características positivas de la personalidad de cada uno: fomenta la extraversión, el compañerismo, la sensibilidad musical, la estabilidad emocional en el escenario y la inteligencia al interpretar una obra musical.

La relación con la música puede contribuir a que los niños y los jóvenes sean capaces de ver su propia perspectiva desde el punto de vista de los demás. En la práctica musical uno puede aprender a relativizar su postura introduciéndola en el contexto musical.

Serialismo

El serialismo es un método de composición musical que, como su nombre indica, utiliza series, esto es, grupos de notas sin repeticiones que siguen un determinado orden. El caso más frecuente es el dodecafonismo que emplea las doce notas de la escala cromática. Estas doce notas de la escala cromática se estructuran de tal forma que generan una serie fija que actúa como tema o motivo del desarrollo musical, ya sea en la parte armónica o en la melódica, en las progresiones estructurales o en las variaciones de los materiales. La serie puede adquirir innumerables formas en una composición, tanto armónicas como mélodicas, no percibidas por el oyente.

El uso del término 'serie' en conexión con la música fue introducida en el francés por René Leibowitz en 1947, e inmendiatamente después por Humphrey Searle en inglés, como una traducción alternativa del término alemán Zwölftontechnik dodecafonismo o Reihenmusik (música serial); introducida independientemente por Hebert Eirmert y Karlheinz Stockhausen al alemán en 1954 como la serielle Musik, con un significado diferente, pero que se traduce también como música serial.

El serialismo es mayormente definido por su principio estructural que corresponde a una serie de elementos (un juego o sucesión de notas) que se usan en orden, o se manipula en maneras particulares, para dar unidad a la pieza. El serialimo es aplicado ampliamente a toda la música en lo que Arnold Schoenberg llamó "The Method of Composing with Twelve Notes related only to one another", ("Método para componer con doce notas relacionadas entre sí") o dodecafonía, y métodos que evolucionaron de los suyos. En ocasiones se usa más especificamente para aplicar solamente en música donde al menos un elemento aparte de la altura es sujeto a ser tratado por la secuencia serial.

Los autores más reconocidos de esta forma de composición son Karlheinz Stockhausen, Hebert Eirmert, René Leibowitz, Schömberg o Pierre Boulez. También Igor Stravinsky intentó algunas obras con esta fórmula.

Op.16 de Arnold Schömberg:

Rock y vanguardia V (The Soft Machine)

Soft Machine es una banda de rock progresivo, psicodélico y jazz fusión representante de la Escena de Canterbury. La banda se fundó en 1966 con los miembros Robert Wyatt (vocalista y batería), Kevin Ayers (vocalista y bajo), Daevid Allen (guitarra) y Mike Ratledge (teclista).

Los primeros álbumes de la banda recibe una gran influencia del carismático Robert Wyatt quien en 1973 cayó de un tercer piso y quedo paralítico. Aún así, siguio con su carrera en solitario.

Uno de sus discos, el "Third", podemos encontrar grandes tintes vanguardistas. Sin duda, es otra de esas bandas características de la época.

Rock y vanguardia IV (Pink Floyd)

Sin duda, la banda más rompedora de todas las que vamos a hablar, en todos los sentidos, es Pink Floyd. Detallaremos las diferentes etapas que pasaron, ya que en cada etapa renovaron el panorama musical de diferentes formas.

Cuando surgió la banda, sobre el año 1966, The Beatles empañaban el panorama musical, al igual que es género que ellos hacían, el pop rock estaba en auge. Aunque el rock progresivo, del que ya hemos estado hablando, empezó a surgir, una banda se diferenció de todas las demás, creando un sonido único. En un principio, la banda la formaban Syd Barrett (Vocalista y guitarra), Roger Waters (Bajo y voces), Richard Whrigth (Teclados y voces) y Nick Mason (Batería). Para componer, empezaron a crear grandes pasajes musicales, que consistía en un tema que luego se desarrolla con una larga improvisación para volver finalmente al tema que comenzaron. Así surgió el primer LP de la banda en 1967, "The Piper ar the Gates of Dawn". En este álbum, se notó la clara influencia del líder y genio de la banda, Syd Barrett. Aunque la banda, técnicamente no eran especialmente buenos, ya que carecian de mucha formación, no les faltaban recursos. Syd hacía diferentes sonidos nuevos, con mecheros, trozos de metal, tarjetas y todo lo que se le ocurría, a su vez con efectos que hacían un sonido nuevo y envolvente. A su vez, hacía junto a Roger Waters exploraciones de la voz con sonidos guturales. Rick y Nick, influenciados por ellos dos, también comenzaron a realizar nuevos elementos que no se habían hecho son sus instrumentos. En los directos, contaban con un nuevo sistema de luces y humo, que no permitían que el público les viera, unidos a esta psicodelia, se unía los largos pasajes, llegando bastante lejos en poco tiempo como "el nuevo sonido underground". Esta etapa se cerró en la mitad de la grabación del segundo LP en "A Saucerful of Secrets". En este álbum, Syd solo participó en algunas canciones, ya que el abuso de drogas le imposibilitó seguir trabajando profesionalmente, siendo sustituido por el vocalista y guitarra David Gilmour. Los sonidos más característicos de esta etapa lo vemos en los siguientes videos.





Con el lanzamiento de este álbum, la banda comienza una etapa de experimentación que va a llegar hasta 1973. La banda realizó múltiples experimentos con la misma fórmula anterior, con grandes pasajes envolventes pero con la magia, delicadeza y buen gusto de David Gilmour. Esta etapa tiene el lanzamiento del tercer álbum en 1969, "More", que fue una banda sonora para una película rodada en Ibiza y en especial el doble álbum "Ummagumma", en el que el primer disco era un directo de los temas que llevaban en la época y el segundo cd, sin duda, la gran obra vanguardista por excelencia de la banda. En 1970 sale el álbum "Atom Heart Mother", que contaba con la primera gran Suite de la banda, en la que tocaban junto a una orquesta y una coral, sin duda, una de las grandes obras maestras de esta banda y del rock sinfónico, en 1971 se lanza el "Meddle", donde encontramos el siguiente gran pasaje o suite, "Echoes", y en 1972, se graba el álbum y también banda sonora "Obscured by clouds". Este mismo año, se pone fin a esta etapa con la grabación del documental "Live at Pompeii", que recoge gran parte de esta etapa. El sonido lo podemos apreciar aquí.








Ahora pondré dos ejemplos en concreto del disco Ummagumma, una composición de cada componente.

Richard Wright:



Roger Waters:



David Gilmour:



Nick Mason:




En 1973, sale a luz el álbum más importante de Pink Floyd, siendo el disco más vendido de todos los tiempos, el "Dark Side of the Moon". En este disco, se recoge los primeros años de madurez de la banda, siendo la guinda al pastel después de tanta experimentación. Siendo el primer gran álbum conceptual de la banda.

A partir de aquí, Roger Waters empieza a tomar las riendas de la banda, empezando a evolucionar hacia otros sonidos. El transcurso sale tras el lanzamiento de los discos "Wish you were here" en 1975, dedicado a Syd Barrett, y "Animals" en 1977, donde ya se nota totalmente la influencia del estilo de Roger Waters.

A partir de aquí, comienzo el fin de la banda tal y como se conocía hasta ahora, llegando cambios por problemas personales entre los componentes, la última gran obra de la banda junta, fue sin duda uno de los álbumes que cambiaron el panorama de la música rock. Una obra conceptual que para el directo se organizó un gran montaje de un muro gigantesco con una gran escenografía y espectáculo de teatro, ópera-rock, luces, videos, muñecos gigantes, cerdos que vuelan... etc. Fue la primera gran gira que comenzaron a crear grandes espectáculos para grandes estadios. Esta es la obra que culmina la gran carrera de Pink Floyd como innovadores.

Rock y vanguardia III (King Crimson)

King Crimson es una banda británica fundada en 1969, sin duda, una de las bandas más importantes del género rock progresivo, una de las bandas más características, además cuenta con los músicos más virtuosos del panorama.

La banda ha tenido gran variedad de músicos en diferentes etapas, a destacar contaron con Greg Lake (quien también fundó el gran trío Emerson, Lake and Palmer), Bill Brufford, Jon Anderson, Ian McDonald o Robert Fripp.

Aunque cada disco no tiene nada que ver, la banda se caracteriza por sus sonidos experimentales y totalmente atrevidos, mucho uso de disonancias con grandes influencias del jazz más alocado y mucha locura en general.

Uno de los discos más característicos es el "Lark´s Tongues in Aspic", sobre todo la canción que toma el nombre del disco. A continuación pondré una muestra de esta canción, donde se podrá apreciar el sonido de vanguardia tan característico de esta banda.

Rock y vanguardia II (Génesis)

Génesis es una banda de rock progresivo británica surgida a finales de la década de los 60. Varios jóvenes de la escuela Chartehouse y otros jóvenes de una banda llamada "The Anon" se juntaron para seguir desarrollándose musicalmente. En 1969, lanzan su primer album, "From Genesis to Revelation", dando nombre a la banda, Génesis.

En el 1970, entra en la banda Phil Collins para sustituir al baterista y el guitarrista Steve Hackett. Y es aquí hasta 1975, cuando la banda toma el sonido y los discos que los caracterizan, liderados por el vocalista Peter Gabriel.

Aunque la banda siguió hasta estos tiempos, me centraré en esta etapa de 1970 al 1975, cuyos componentes eran: Peter Gabriel (voz, flauta, percusión), Tony Banks (teclados, guitarra, guitarra de 12 cuerdas/doble, voces), Mike Rutherford (bajo, guitarra, voces), Steve Hackett (guitarras) y Phil Collins (Batería, voces).

Los discos lanzados en este período son: "Nursery Cryme" (1971), "Foxtrot" (1972), "Genesis Live" (1973), "Selling England by the Pound" (1973) y "The Lamb Lies Down on Broadway" (1974).

Musicalmente, la banda se caracteriza por su sonido, en la que dentro del género rock, existen muchas influencias directas de la música clásica, en cuanto a sus composiciones, sus partes, las modulaciones armónicas, melodías, estructuras... etc. Pero sin duda, si hubo algo que caracterizó a esta banda, era la genialidad de Peter Grabriel, quien en los directos sorprendió al público y a los demás de la banda, ya que a la vez que tocaban las canciones, Peter Gabriel se iba disfrazando a lo largo de las canciones, haciendo toda una obra músico-teatral, siendo de los pioneros del sub-género "Art-rock". En estos momentos se vieron los principios de la unión música/teatro tras la ópera y la zarzuela. Estos fueron los comienzos de la ópera-rock.

Rock y vanguardia I (Introducción)

El rock es un género que ha ido evolucionando a lo largo de la historia. Nada tiene que ver el concepto actual con el del rock primitivo, ese género tan cercano al blues o al R&B con artistas reconocidos como Chuck Berry o Little Richard.

En sus inicios, hay que separar la vertiente americana (de donde viene) a la inglesa. Ya que a finales de los 50 y principios de los 60, bandas de pop tomaron estas raices llevando al rock a nuevos conceptos, tales como The Beatles o The Rolling Stones. A su vez en inglaterra evolucionó el rock en otra vertiente más arraigada a sus principios, como la música de John Mayal o Cream (Teniendo a Eric Clapton como protagonista. Mientras tanto, en Estados Unidos a finales de década comenzó el movimiento hippie, haciendo que el rock fuera cogiendo otros tintes, con artistas como Jimi Hendrix o The 13th Floor Elevators, que comenzaron con las primeras obras de rock ácido o psicodélico, muy influenciadas por las drogas. Aunque quiero centrarme en el movimiento británico, no puedo dejar de mencionar a una de las bandas más importantes de Estados Unidos que está muy relacionado con el tema que quiero desarrollar en cuanto a rock y vanguardia, esta banda fue The Doors. Liderada por el vocalista Jim Morrison, además de vocalista era poeta, por lo que fue de los primeros en salirse de lo típico que se oía dentro del rock, además de nuevos tipos de composiciones alejadas del rock que se solía oir, introduciendo elementos rítmicos de la música latina, algún tinte de la música española, y nuevos sonidos que les hacían destacar.

Mientras que en Estados Unidos en los 70 seguían con las influencias del movimiento hippie o sonidos más contundentes que derivaron al heavy metal con bandas como Black Sabbath, en Inglaterra se vivía una etapa dorada en el mundo artístico, influyendo esto directamente en el género del rock, creándose a finales de los 60 un nuevo género, llamado Rock Progresivo. Esta variente del rock quiso llegar más allá, introduciendo elementos de la música folklórica de las islas británicas, fusionando el rock con el jazz, con la música clásica y con nuevos sonidos del movimiento avant-garde y experimentales que comenzaron a surgir, surgiendo el sub-género del Art Rock, siendo un género no sólo musical, si no artístico, una nueva visión que cambiaría por completo el panorama artístico-musical. Entre estas bandas, destacamos varias de las que vamos a hablar, debido a su imporancia, tales como Génesis, King Crimson, Pink Floyd o The Soft Machine.

En las próximas actualizaciones hablaremos de estas 4 bandas tan importantes para el género, ya que me parecen de las más destacadas.