Música y surrealismo III (Être dieu)

"Être dieu: opéra-poème, audiovisuel et cathare en seis partidos" es una ópera poema escrita por Salvador Dalí, basada en un libreto de Manuel Vázquez Montalbán. La música fue compuesta a petición de Dalí por Igor Wakhévitch, quien a su vez contó para un fragmento con una banda de rock progresivo.

La obra se compone 6 partes en las que Dalí hace como Dios, Brigitte Bardot hace de alcachofa y Catalina la Grande hace un striptease.

La obra se compone de diversos poemas surrealistas acompañada de la música de vanguardia de Wakhévitch, habiendo alguna parte en la que incluso suena una banda de rock.

Esta obra, se puede catalogar como la gran exponente de la música meramente surrealista.

A continuación pondré algún fragmento:

Musica y surrealismo II (Igor Wakhévitch)

Igor Wakhévitch es un compositor francés nacido a mediados del siglo XX. Su padre fue director de arte reconocido.

Este compositor, a pesar de no ser un autor muy reconocido entre las masas, si que se le reconoce como un autor bastante importante en la música vanguardista, tocando incluso la corriente electrónica que caracterizaba a Pierre Henry.

Una de sus obras más representativas es Doctor Fausto, dedicada a Robert Wyatt, famoso baterista de la banda The Soft Machine, quien cayó de un segundo piso quedando inválido de la mitad del cuerpo inferior. Actualmente, Wyatt toca instrumentos de viento.

Salvador Dalí, ideó su surrealismo hacia la música, fue Salvador quien contactó con Igor Wakhévitch para que le ayudara con la composición de la ópera poema en seis partes "Être dieu: opéra-poéme, audiovisuel et cathare en seis partido". Obra surrealista por excelencia.

Música y surrealismo I (Salvador Dalí)

Salvador Dalí fue un pintor nacido en Figueras, siendo uno de los autores más representantivos del surrealismo y uno de los artistas más importantes de España. Su visión artística surrealista englobaba a otras artes, tales como el cine (junto a Luis Buñuel en "Un perro andaluz") o en la música.

En el día de hoy he elegido desarrollar el tema de la música y el surrealismo para desarrollarlo en 3 entradas. La de hoy, comentaremos de qué trata la corriente surrealista, realcionada con uno de sus autores más representativos, siendo además claro protagonista en la obra musical de la que hablaremos más adelante.

El surrealismo es una corriente artística derivada del dadaísmo, un arte tratado en lo absurdo, siendo uno de sus precursores André Breton. Como menciona el manifiesto surrealista, "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida."; "Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."

Esta corriente artística se desarrolló en la pintura, en el cine o en la literatura, sin embargo, apenas existen tintes surrealistas entre la música, pudiendo abarcar algo parecido a la música psicodélica y algunos autores de avant-garde. Sin embargo, Salvador Dalí, si fue activo y buscó ayuda para desarrollar esta idea del manifiesto surrealista para la música.

Vasíli Kandinsky

Fue un pintor ruso de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX , precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

¿Un pintor en un blog donde se habla de música? Sí. Aunque fuere pintor, una de sus teorías iban acorde al sonido y la música asociada a la pintura, y por ello vamos a destacar a este pintor dentro de mi temástica, la música de vanguardia.

Kandinsky descubrió que liberando de la representación física del mundo al color, la línea, el plano, es decir, a los elementos básicos de la imagen, conseguía liberar el mensaje de ideas concretas hacia ideas más abstractas.

Si en la imagen hay formas que representan ideas concretas, entonces el mensaje se está concretando hacia ideas concretas. Si no hay representación, el pensamiento del espectador que ve la imagen abstracta puede acceder a otro tipo de ideas, y se trata de que éstas sean también ideas abstractas.

Si la pintura representa un objeto, el pensamiento se centra en ese objeto de la realidad. Directamente se hacen asociaciones y el mensaje se configura en el espectador.

Si la pintura no representa un objeto ni nada concreto se desconectan las asociaciones de conocimiento y entra en funcionamiento la sensación.

Aunque al principio Kandinsky empezó desarrollando un arte que nacía de la figuración, después le dió total independencia a la imagen. Para ello estudió las sensaciones y los efectos que colores, líneas, y todos los elementos de la imagen producen en la psicología humana.

Kandinsky además estudio "el sonido interior abstracto" de las formas y los elementos de la imagen (sean representaciones o puramente abstractos). Entendiendo como “sonido interior” las sensaciones que emanan. Decía “Todo objeto, sin excepción, ya sea creado por la naturaleza o por la mano del hombre, es un ente con vida propia que inevitablemente emite algún sentido”.

Entender el arte abstracto es saber comunicarse con las sensaciones interiores que la imagen provoca, sentir la imagen y tener conciencia del sentimiento en sí mismo.

El sonido es el medio por el cual se desarrollan los conceptos abstractos que entiende el ser humano. El lenguaje es un expresión sonora (ya sea en pensamiento como en comunicación) y maneja no solo la información recibida sino también los conceptos abstractos, no físicos. Es más, el ser humano, gracias al lenguaje inventó los símbolos y es capaz de desarrollar ideas abstractas, pensar sobre cosas que no existen y proyectar un futuro.

En resumen, el sonido es en esencia Abstracto.

A un sonido creado se le da un sentido y entonces adquiere el valor de representar algo. Así es el caso de las palabras que definen cosas.

Pero el sonido, además de definir cosas, nos permite desarrollar las ideas abstractas, conceptos no tangibles, y que se comunican directamente con los sentimientos y lo que podríamos llamar “espíritu”.

Igor Stravinsky

Fue un compositor y director de orquesta ruso. Este autor se movió por diferentes períodos estilísticos, tales como el nacionalismo ruso, neoclasicismo y dodecafonismo.

Sin duda, si hay algo que caracteriza a Igor Stravinsky son las nuevas aportaciones innovadoras para la música, y no sólo para la música, si no también reinventó el ballet. Una de las obras más importantes en esta innovación de música y danza es "La consagración de la primavera".

Esta obra se estrenó en 1913, creando grandes controversias para aquellos que asístian a la obra, por un lado, estaban los pocos que lo consideraron un genio, y la gran mayoría que consideraron la obra una obscenidad y un insulto para el público rechazándola violentamente. La obra descrube la historia sucedida en la Rusia antigua en la que se raptó y se sacrificó mediante el rito pagano a una docella al inicio de la primavera, quien debía bailar hasta su muerte para obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. En la obra los bailes muestran gran plasticidad con escenas primitiva en cuanto a los hábitos de la vida.

Esta obra no sólo descataca por la danza, si no por la propia composición musical que la acompaña, fuente de inspiración para la futura música para bandas sonoras de películas. No existe un orden rítmico dando impresión de imprevisión, impulso, brutalidad y desorden. La melodía tiene muchas disonancias sin respetar mucho los modos ni las escalas. La armonía no tiene un orden de ningún tipo. Finalmente, también renueva por completo la orquesta.

Sin duda, estamos ante uno de los grandes genios vanguardistas del siglo XX y de los pioneros en marcar la gran variedad de estilos a lo largo de todo el siglo.

A continuación, pondré un fragmento audiovisual de una de las partes de la obra "la consagración de la primavera".

Música de Vanguardia en el aula

En las próximas publicaciones haré referencia a autores claves en la música de vanguardia en el siglo XX y sus aplicaciones didácticas en el aula, enfocado para la ESO, aunque en educación primaria para el tercer ciclo se puede adaptar una versión menos dura y más superficial.

Estas futuras publicaciones están inspiradas en un anterior trabajo que realicé sobre la historia del rock en el aula, para tercer ciclo de primaria y para secundaria, donde se realizaría durante una semana una gincana donde por grupos de alumnos van superando pruebas hasta coleccionar información y entre ellos construirían la historia. Este proyecto comenzaba con una interpretación teatral donde un científico mete a los alumnos en una máquina del tiempo porque necesitaba saber que ocurrió y las pruebas están inspiradas en distintas partes del mundo y en distintas épocas, siempre relacionadas con todo lo acontecido en la historia del rock, no solo musical si no para que también conozcan el panorama socio-histórico universal desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Este proyecto es un proyecto interdisciplinar donde mediante el juego se alcanza el conocimiento de materias como la música, la historia, las nuevas tecnologías, el conocimiento del medio natural, la expresión artística, la competencia lingüísta, la competencia matemática, la competencia social y ciudadana... etc, puesto que se tendría en cuenta todo tipo de pruebas para que el ejercicio sea lo más didáctico y fructífero posible para el niño o el adolescente.

Además, aunque titule las publicaciones como música de vanguardia, hablaremos de obras artísticas en general para relacionarlas con la música.

Tema 8

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